Jazz Guitar

현악기의 화음 연주 리듬은 금관 악기, 색소폰, 클라리넷, 드럼과 같은 군용 악기를 포함하는 초기 재즈 그룹과 그룹에서 들을 수 있습니다. 20세기 초 어쿠스틱 기타가 대중적인 악기가 되면서 기타 제작자들은 더 넓은 범위의 환경에서 유용한 더 큰 기타를 만들기 시작했습니다. Gibson L5는 1923년에 제조된 최초의 어쿠스틱 아치탑 기타였으며 Eddie Lang과 같은 초기 재즈 기타리스트가 사용한 초기 "재즈" 스타일 기타입니다. 1930년대에 기타는 재즈 음악의 주요 화음 리듬 악기로서 밴조를 대체하기 시작했습니다. 기타가 더 복잡한 배음 코드를 표현하는 데 사용될 수 있고 기타가 업라이트 베이스와 잘 어우러지는 다소 부드러운 톤을 가지고 있기 때문입니다. , 이때까지 재즈 음악의 기본 베이스 악기로서 튜바를 거의 완전히 대체했습니다.

1930년대 후반과 1940년대 빅 밴드 재즈와 스윙 음악의 전성기에는 기타가 중요한 리듬 섹션 악기였습니다. Count Basie 밴드의 Freddie Green과 같은 일부 기타리스트는 독특한 기타 반주 스타일을 개발했습니다. 그러나 대부분의 빅 밴드는 작은 콤보의 맥락에서 대신 증폭된 기타 솔로를 선보였습니다. 이 시기에 가장 중요한 재즈 기타 솔리스트로는 25세의 나이에 요절했음에도 불구하고 심오한 영향을 미쳤던 Nat King Cole의 트리오에 등장한 Manouche Virtuoso Django Reinhardt와 Oscar Moore가 있습니다. Benny Goodman의 밴드와 6인조 Charlie Christian이 포함됩니다. . . 기타가 다재다능한 악기로 대중화되기 시작한 것은 제2차 세계대전 이후에야 소규모 콤보 재즈가 대규모로 등장한 것입니다. 솔로 즉흥 연주자로도 사용되었습니다. 비밥의 언어를 흡수한 George Burns, Kenny Burrell, Herb Ellis, Barney Kessel, Jimmy Rainey 및 Tal Farlow의 손에서 기타는 "진짜" 재즈 악기로 보이기 시작했습니다. . Gibson의 ES-175(1949년 출시)와 같은 개선된 일렉트릭 기타는 연주자에게 더 넓은 범위의 음색 옵션을 제공했습니다. 1940년대부터 1960년대까지 Wes Montgomery, Joe Pass, Jim Hall과 같은 연주자들은 현재 "재즈 기타"로 알려진 것의 토대를 마련했습니다.

1970년대 초 재즈 록 퓨전이 부상하면서 많은 연주자들이 록 지향적인 솔리드 바디 기타로 전환했습니다. 그랜트 그린(Grant Green)과 웨스 몽고메리(Wes Montgomery)와 같은 다른 재즈 기타리스트들은 소울 재즈 스타일 오르간 트리오와 같이 재즈와 소울 및 R&B를 융합한 팝 지향 스타일에 자신의 기술을 적용하려고 했습니다. 블루스, 록, 펑크와 같은 대중적인 절충주의 장르의 부상으로 젊은 재즈 뮤지션들이 새로운 청중에게 다가갔습니다. 퓨전 영역의 기타리스트들은 John Coltrane, McCoy Tyner, Ornette Coleman 및 Miles Davis와 같은 뮤지션의 포스트밥의 화성적이고 선율적인 언어를 Cream의 Eric과 같은 기타리스트가 만든 딱딱한 사운드로 가져왔습니다. (그리고 일반적으로 매우 시끄럽습니다) 록 톤과 융합됩니다. Clapton은 이전에 그의 스타일이 기반이 되었던 시카고와 미시시피 강 삼각주 지역의 블랙 블루스 연주자에 익숙하지 않은 사람들을 위해 기타 사운드를 재정의했습니다. John Mayall의 Bluesbreakers에서 Clapton은 Buddy Guy, Freddie King, B.B 등이 이미 개척한 사운드의 볼륨을 높였습니다. 우리는 굽힘과 속도가 있는 유동적인 사운드를 실현했습니다. John McLaughlin과 같은 퓨전 연주자는 Clapton과 Jimi Hendrix와 같은 록 기타리스트의 유동적이고 강력한 사운드를 채택했습니다. McLaughlin은 하드 재즈를 Clapton, Hendrix 및 Beck의 새로운 사운드에 통합한 위대한 혁신가였습니다. McLaughlin은 나중에 Mahavishnu Orchestra를 결성했습니다. Mahavishnu Orchestra는 1970년대 초에 붐비는 집에서 연주를 했으며 끝없는 퓨전 기타리스트의 계보를 낳은 역사적으로 중요한 퓨전 밴드입니다. Pat Martino, Al Di Meola, Larry Coryell, John Abercrombie, John Scofield 및 Mike Stern(둘 다 Miles Davis Band의 전 멤버)과 같은 아티스트가 새로운 세대입니다. 이전의 락 블루스 아이콘과 마찬가지로 퓨전 기타리스트는 일반적으로 스타디움 록 스타일 증폭 및 시뮬레이션된 왜곡, 와와, 옥타브 스플리터, 압축 및 플랜지와 같은 신호 처리 "이펙트"를 사용합니다. 견고한 사운드를 만드는 페달. 바디 악기를 연주하고 있었습니다. 블루스 록 플레이어처럼 자연스러운 오버드라이브를 만들기 위해 단순히 전체 볼륨으로 갈 수도 있습니다.

1980년대 초, 1970년대 초 퓨전의 급진적인 실험은 보다 라디오 친화적인 부드러운 재즈 사운드에 자리를 내주었습니다. 비밥과 쿨 재즈의 탄탄한 기반을 유지하고 있는 기타리스트 Pat Metheny는 록, 블루스, 컨트리 및 "월드" 음악의 사운드를 플랫탑 어쿠스틱 기타와 부드럽고 감미로운 사운드와 결합합니다. 두 톤의 일렉트릭 기타를 모두 연주했습니다. 이것은 '코러스'로 알려진 반짝이는 효과로 단맛을 더했습니다. 1980년대에 재즈의 신전통주의 학교는 과거와의 재연결을 시도했습니다. 그 미학에 따라 이 시대의 젊은 기타리스트들은 깨끗하고 둥근 음색을 추구했습니다. 그들은 종종 전자 효과 없이 튜브 앰프를 통해 전통적인 할로우바디 아치탑 기타를 연주했습니다. Bobby Bloom, Peter Bernstein, Howard Alden, Russell Malone, Mark Whitfield와 같은 연주자들이 전통적인 재즈 기타 사운드를 되살렸듯이 archtop luthier(기타 제작자)도 마찬가지입니다. . 1990년대 초까지 많은 소규모 독립 현악기 제작자들이 아치탑 기타를 만들고 있었습니다. 2000년대에 접어들면서 재즈 기타 연주는 계속해서 변화하고 있습니다. 일부 기타리스트는 라틴 재즈의 영향을 받아들였고, 애시드 재즈 스타일의 댄스 클럽 음악은 Wes Montgomery 샘플을 사용했으며, Bill Frisell과 같은 기타리스트는 계속해서 분류에 도전하고 있습니다.

재즈는 어쿠스틱 악기부터 Fender Stratocaster와 같은 솔리드 바디 일렉트릭 기타에 이르기까지 모든 종류의 기타로 연주할 수 있지만 풀 뎁스 아치탑 기타는 전형적인 "재즈 기타"로 알려져 있습니다. 아치탑 기타는 큰 사운드박스, 아치형 상단, 바이올린 스타일의 F-홀, "플로팅 브리지", 자기 또는 압전 픽업이 있는 강철 현 어쿠스틱 기타입니다. 초기 재즈 기타 제작자로는 Gibson, Epiphone, D' Angelico, Stromberg 등이 있습니다. 일렉트릭 기타를 기타 앰프에 연결하면 연주를 위한 충분한 음량이 제공됩니다. 기타 앰프에는 기타리스트가 특정 주파수 대역을 증폭하거나 감쇠하여 악기의 음색을 변경할 수 있는 이퀄라이저 컨트롤이 있습니다. 종종 기타 앰프에 내장된 리버브 효과의 사용은 오랫동안 재즈 기타 사운드의 일부였습니다. 특히 1970년대 재즈 퓨전 시대 이후 일부 재즈 기타리스트들은 오버드라이브 페달, 코러스 페달, 와우 페달 등의 이펙트를 사용하기도 한다. 재즈에서 사용된 최초의 기타는 어쿠스틱 기타였으며 나중에 두 개의 험버킹 픽업으로 구성된 전형적인 전기 구성으로 대체되었습니다. 1990년대에는 플로팅 픽업이 장착된 어쿠스틱 아치탑 기타에 대한 재즈 기타리스트들의 새로운 관심이 있었습니다. 오리지널 어쿠스틱 아치톱 기타는 볼륨을 높이도록 설계되었기 때문에 상대적으로 무거운 기타 현과 함께 사용하도록 제작되었습니다. 전기화가 표준이 된 후에도 재즈 기타리스트들은 음색상의 이유로 0.012인치 게이지 이상의 현을 계속 착용했으며 플랫와인드 현도 선호했습니다. 특징적인 아치형 상판은 원목을 아치형으로 재단하여 제작하였습니다. , 또는 적층 목재(본질적으로 합판의 일종) 조각을 압착하여 모양을 만든 것입니다. 스프루스는 상판에, 메이플은 후판에 자주 사용됩니다. Archtop 기타는 Ibanez Artcore 시리즈와 같이 대량 생산되거나 수작업으로 제작될 수 있습니다. Robert Benedetto와 같은 현악기 제작자;

Selmer McCaffery 기타는 Django Reinhardt 및 Gypsy Swing과 밀접한 관련이 있습니다. 공진기 기타는 Oscar Allemann이 사용했습니다. 나일론 스트링 기타는 Charlie Byrd와 Laurindo Almeida의 작품을 포함하여 라틴 재즈와 관련이 있습니다. 플랫 탑 스틸 현 기타(특히 Ovation 기타)는 John McLaughlin, Larry Coryell 및 Al Di Meola의 "어쿠스틱 파쇄"에 사용되었습니다. 솔리드 바디 일렉트릭 기타는 Bill Frisell과 Stanley Jordan이 재즈 록에 사용했습니다. 특히 텔레 캐스터에는 Ed Bickert 및 Ted Green과 같은 재즈 팬이 있습니다. 재즈 록과 아방가르드 재즈의 신디사이저 기타. Allan Holdsworth와 Pat Metheny 저. George Van Eps, Lenny Blow, Bucky Pizzarelli 및 Howard Alden의 7현 기타. Ralph Patt의 8현 기타.

재즈 리듬 기타는 종종 이국적이고 조바심 내기 어려운 코드로 연주하는 매우 질감이 있고 홀수 박자로 구성됩니다. 4/4 타이밍에서는 2비트, 그 다음 그의 2비트 또는 4비트 후에 "and"와 같이 2.5비트 간격으로 재생하는 것이 일반적입니다. 재즈 기타리스트는 때때로 8분 동안 코드를 스윙하여 박자 "전에" 코드를 연주합니다. 실제 코드 변경 전의 음표입니다. 코드는 일반적으로 록 리듬 기타리스트처럼 리드미컬한 반복으로 연주되지 않습니다.

재즈 기타리스트는 화음과 재즈 이론에 대한 지식을 사용하여 화음의 3음과 7음을 강조하는 재즈 화음의 "음성"을 만듭니다. 보다 정교한 코드 보이싱에는 코드의 9분, 11분 및 13분 음표도 포함됩니다. 일부 현대 재즈 스타일에는 수정된 9도("플랫 9도"라고 하는 반음에 의해 평평해지거나 "샤프 9도"라고 하는 반음에 의해 날카로워짐)가 노래 내의 도미넌트 7th 코드에 포함됩니다. 11도("샤프 11도"라고 하는 반음으로 날카롭게 함)일 수 있습니다. 13도(일반적으로 "플랫 13도"라고 하는 반음으로 평평함). 재즈 기타리스트는 메이저 7th, 메이저 6th, 마이너 7th, 마이너/메이저 7th, 도미넌트 7th, 디미니시드, 하프디미니시드, 오그멘티드 코드 등 다양한 코드를 배워야 합니다. 마찬가지로 화음 변환(예: 위의 "대체 도미넌트 화음"과 같은 변경된 화음), 화음 대체 및 재화음 기술에 대해 배워야 합니다. 일부 재즈 기타리스트는 재즈 스케일 및 코드에 대한 지식을 사용하여 워킹 베이스 스타일 반주를 제공합니다. 재즈 기타리스트는 유비쿼터스 ii-V-I 진행 및 재즈 스타일의 블루스 진행(블루스 스타일의 12마디 진행과 달리 때때로 두 개의 마디가 있음)과 같이 재즈에서 사용되는 다양한 코드에 익숙합니다. 진행 범위에서 이러한 코드를 연주하는 방법을 배웁니다. 마이너 재즈 스타일 블루스 형식, I-vi-ii-V 기반 "리듬 변화" 진행, 재즈 발라드 및 재즈 표준에 사용되는 다양한 모듈레이션이 풍부한 코드 진행. 기타리스트는 또한 1970년대 재즈-라틴, 재즈-펑크 및 재즈-록 퓨전 음악에 사용된 코드 유형, 스트러밍 스타일 및 효과 페달(예: 코러스 효과 및 퍼즈박스)을 사용하는 방법을 배울 수 있습니다.

재즈 기타리스트는 스케일과 아르페지오 패턴의 기본 구성 요소를 균형 잡힌 리듬과 멜로디 프레이즈로 통합하여 일관된 솔로를 구성합니다. 재즈 기타리스트는 종종 색소폰 연주자와 같은 호른 연주자가 사용하는 자연스러운 호흡과 레가토 프레이징으로 멜로디 프레이즈에 스며들게 하려고 합니다. 마찬가지로 재즈 기타리스트의 솔로 즉흥연주에는 리드미컬한 추진력과 '스윙' 및 '그루브'의 감각을 만들어내는 '시간의 느낌'이 있어야 합니다. 대부분의 숙련된 재즈 기타리스트는 "박자 전" 또는 "박자 뒤에서" 연주와 같이 다양한 "시간 감각"으로 연주하여 긴장감을 조성하거나 해제합니다. 재즈 기타 스타일의 또 다른 측면은 유예 음표, 슬라이드 및 음소거 음표와 같은 스타일적으로 적절한 유예 음표를 사용하는 것입니다. 재즈의 각 하위 장르 또는 시대에는 해당 하위 장르 또는 시대 스타일의 일부인 다양한 장식이 있습니다. 재즈 기타리스트는 일반적으로 특정 스타일이나 재즈 시대의 주목할만한 녹음을 들으면서 적절한 임벨리싱 스타일을 배웁니다. 일부 재즈 기타리스트는 다른 재즈 악기에서 장식 기법을 차용합니다. 예를 들어 웨스 몽고메리는 재즈 피아노 기법인 병렬 옥타브로 멜로디를 연주하는 기법을 차용했다. 재즈 기타리스트는 또한 패스 톤을 추가하는 방법과 "가이드 톤" 또는 코드 진행에서 구조 즉흥 연주에 이르기까지 코드 톤을 사용하는 방법을 배워야 합니다. 1970년대와 1980년대에 재즈-록 퓨전 기타 연주는 재즈 기타리스트들이 리프 기반 솔로와 펜타토닉 및 블루스 스케일 패턴 사용과 같은 록 기타 솔로잉 접근 방식을 채택하도록 이끌었습니다. 일부 기타리스트는 지미 헨드릭스(Jimi Hendrix)의 영향을 받은 왜곡 및 와와 효과를 사용하여 지속적이고 무거운 톤은 물론 태핑 및 트레몰로 바 벤딩과 같은 빠른 파쇄 기타를 사용합니다. 어떤 사람들은 기술을 사용했습니다. 1974년 Return to Forever로 경력을 시작한 기타리스트 Al Di Meola는 나중에 록과 헤비메탈 연주에 사용되는 기술인 "shred" 스타일로 연주한 최초의 기타리스트 중 한 명입니다. Di Meola는 대체 피킹을 사용하여 매우 빠른 일련의 음표를 솔로로 연주했습니다.

재즈 기타리스트가 즉흥적으로 연주할 때 노래의 코드 진행에서 코드와 관련된 음계, 모드 및 아르페지오를 사용합니다. 즉흥 연주에 대한 접근 방식은 재즈 기타 초기부터 변경되었습니다. 스윙 시대에 많은 솔리스트들은 장식과 음표로 멜로디를 장식하여 "귀로" 즉흥적으로 연주했습니다. 그러나 비밥 시대에는 빠른 템포와 복잡한 코드 진행으로 인해 "귀로" 연주하기가 점점 더 어려워졌습니다. 비밥 시대의 재즈 기타리스트는 색소폰 연주자 및 피아노 연주자와 같은 다른 즉흥 연주자와 함께 음계(온음 음계, 반음계 음계 등) 및 아르페지오를 사용하여 즉흥적으로 코드 변경을 시작했습니다. 작곡에서 자신의 역할로 인해 코드에 익숙한 재즈 기타리스트는 멜로디를 재작업하기보다는 코드와 음계 사이의 관계를 즉흥적으로 연주하는 경향이 있습니다. 즉흥 연주를 위한 멜로디 아이디어의 원천은 녹음에서 즉흥 솔로를 녹음한 것입니다. 그것은 재즈 기타리스트에게 '핥기' 소스, 멜로디 프레이즈, 있는 그대로 또는 변형으로 통합할 수 있는 아이디어를 제공하며 이전 세대의 연주자로부터 학습하는 확립된 방법입니다.

1930년대와 1940년대에 유행했던 재즈 빅 밴드에서 기타리스트는 리듬 섹션(기타, 드럼, 베이스)의 필수적인 부분으로 간주되었습니다. 그들은 보통 소절에 맞춰 그의 일반적인 네 가지 스트럼을 연주하지만 조화로운 즉흥 연주도 가능합니다. Count Basie Orchestra의 기타리스트인 Freddie Green은 이 스타일의 저명한 지지자였습니다. 하모니는 종종 최소화됩니다. 예를 들어, 근음은 베이시스트가 공급할 것이라는 가정하에 생략되는 경우가 많습니다.

재즈 기타리스트가 노래의 선율에 맞춰 코드를 연주하거나 다른 뮤지션의 즉흥 솔로를 연주하는 것을 '반주'의 약자로 '컴핑'이라고 합니다. 대부분의 재즈 스타일의 반주 스타일은 많은 대중 음악 스타일에서 화음 악기가 반주되는 방식과 다릅니다. 록 및 팝과 같은 많은 인기 있는 음악 스타일에서 리듬 기타리스트는 일반적으로 노래의 비트 또는 그루브를 강조하는 리드미컬한 방식으로 코드를 연주합니다. 대조적으로 소규모 그룹 내의 많은 현대 재즈 스타일에서 기타리스트는 주기적인 코드와 미묘한 보이싱을 멜로디와 솔로 일시 중지에 혼합하고 침묵 기간을 사용하여 훨씬 더 드물게 연주합니다. 할 것. 재즈 기타리스트는 일반적으로 표준 보이싱만 사용하기보다는 컴핑할 때 다양한 반전을 사용합니다.

이 스타일에서 기타리스트는 클래식 기타리스트나 피아니스트와 유사한 방식으로 전체 곡(하모니, 멜로디, 베이스)을 표현하는 것을 목표로 합니다. 이 스타일은 코드의 근음이 베이스 연주자에게 남겨지는 것을 허용하지 않습니다. 코드 자체는 개별 연주자와 특정 노래 편곡에 따라 드물게 사용되거나 더 조밀하게 사용될 수 있습니다. 스파스 스타일에서 전체 코드는 종종 멜로디 프레이즈의 시작 부분에서만 연주됩니다. 대조적으로 밀도가 높은 코드 텍스처는 코드 솔로에 접근합니다(아래 참조). 세 번째 접근 방식은 New Orleans 피아니스트처럼 꾸준하고 바쁜 베이스라인을 유지하는 것입니다. 여기서는 한 번에 2~3개 이상의 음이 연주되지 않으며 완벽한 조화는 아르페지오로 표시됩니다. 이 스타일의 지지자들은 종종 Chet Atkins와 같은 컨트리, 포크 또는 래그타임 배경을 가지고 있지만 때때로 Martin Taylor와 같은 정통 재즈 연주자에 의해 채택되기도 합니다. 코드 멜로디는 종종 드럼스틱으로 연주됩니다(Tal Farlow, George Benson 등 참조). 반면에 Joe Pass, George Van Eps, Ted Green, Robert Conti 및 Lenny Blow와 같은 핑거스타일과 Ed Bickert 및 Laszlo Sursom과 같은 하이브리드 피킹은 보다 복잡하고 다성적입니다. 간단한 접근으로 무반주 솔로 연주가 가능합니다.

Eddie Lang과 Ronnie Johnson은 단일 음표 즉흥 솔로의 초기 실무자 중 두 명이었습니다. 둘 다 루이 암스트롱과 1920년대와 1930년대의 다른 주요 재즈 및 블루스 음악가들과 함께 공연했습니다. 나중에 Charlie Christian과 Django Reinhardt는 일렉트릭 기타를 강하게 연주하고 후자는 어쿠스틱 기타를 연주하며 재즈 기타 즉흥 연주를 다른 악기와 동등하게 만든 최초의 솔리스트로 인정받았습니다. 주어졌다. 수년에 걸쳐 재즈 기타리스트는 비밥, 쿨 재즈와 같은 표준 재즈 표현으로 솔로 연주하면서 전자 효과 사용과 같은 록 기타리스트의 영향을 흡수할 수 있었습니다.

재즈 기타리스트는 즉흥 연주에만 국한되지 않습니다. 반주와 함께 사용할 때 코드 솔로는 일반적으로 현 1, 2, 3, 4의 상위 음역에서 코드(화성)와 멜로디를 동시에 즉흥적으로 연주하여 만들어집니다. . 코드 솔로 - 그의 표준 "Lover Man (Oh, Where Can You Be?)"을 즉흥적으로 들을 수 있습니다. 무반주로 연주할 때 재즈 기타리스트는 Lenny Blow, Joe Pass 및 Martin Taylor와 같은 모든 현에서 베이스, 멜로디 및 코드를 개별적으로 또는 동시에 연주하여 코드 솔로를 만듭니다. 계속 진행하기 전에 해야 할 일이 있습니다. 이 기술은 무반주 솔로 연주에도 통합될 수 있습니다. 예를 들어 Django Reinhardt의 솔로 작업을 "즉흥 연주"라고 부릅니다.

재즈 기타리스트 목록 재즈 기타리스트 스윙(재즈 연주 스타일) 재즈베이스

"The Guitar", Joachim-Ernest Berendt "The Jazz Book", Lawrence Hill & Company, 뉴욕 R., 켄(2012). DOG EAR 재즈 기타 트라이톤 교체

Jaén, Fernando Alonso(날짜 미상). "아치탑 재즈 기타" 윌슨, 제럴드 (2005). 저자와의 개인 인터뷰. Scott Yanow(날짜 미상). "Wynton Marsalis" 모든 음악 가이드. https://www.allmusic.com/artist/p102096 Yanow, Scott(날짜 미상). "Pat Metheny" 모든 음악 가이드. https://www.allmusic.com/artist/p7121